Bienvenid@s!!
En días anteriores Vortex Films y Gatobarato Colectivo rodaron el cortometraje “Utopika”. En él han participado jóvenes talentos de las Escuelas de Arte y Diseño y Comunicación Social de la UTPL. El film acaba de ser premiado como Mejor Cortometraje de Ficción en el Concurso “Ciudad limpia”, promovido por el Consejo Nacional de Cine y la Fundación Reina de Quito.
Nos unimos a la celebración de estos creativos y queridos amigos.
Ver noticia:
Entre los días 28 y 31 de julio de 2010, la compañera Mayra Ramírez, estudiante de la Escuela de Arte y Diseño asistirá al Certamen “SOMOS LATINOS” que se realiza en el marco del V Encuentro Latinoamericano de Diseño, organizado por la Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina. El trabajo de Mayra ha sido seleccionado entre los diez mejores candidatos al premio del certamen y es la única representante del Ecuador entre los finalistas.
El pasado viernes 30 de abril asistimos a la inauguración del Quinto Salón de Pintura “Eduardo Kingman Riofrío”, propuesto por la Universidad Nacional de Loja, en el marco del Sexto Encuentro Nacional de Culturas. Quiero expresar mi felicitación a las y los colegas ganadores y desearles lo mejor. Habrá momento de comentar el veredicto con la altura que se merece.
De lo que necesito hablar es de una parte del discurso que hiciera el presidente del Salón y que me apena sobremanera. Me pregunto, cómo es posible que en una época como la actual, llena de oportunidades y de posibilidades abiertas a la diversidad de expresiones en el territorio artístico, se aproveche un acto como éste para desvalorizar todo tipo de arte que no sea la pintura. Estoy de acuerdo en que se quiera poner en alto el espíritu del certamen pero, ¿por qué tenemos que invalidar otras propuestas? ¿Qué verdad ha sido dicha en materia de arte que nos autorice a desmerecer el trabajo de artistas que no hacen pintura de caballete? Esto no es un ataque a este tipo de obras, con las que además me identifico y complazco, pero las artes visuales hace tiempo que han emprendido caminos afortunadamente inciertos. Como artistas debemos estar orgullosos de nuestro trabajo pero al mismo tiempo saber reconocer el valor de las producciones de otros colegas que no piensan como nosotros.
Paralelo a ésto se trató de minimizar el esfuerzo de la Bienal de Cuenca, sin un argumento académico que nos hubiera gustado escuchar, habida cuenta del respetable contexto Universitario. Si bien es cierto que la Bienal ha tenido momentos que nos han dejado con un mal sabor, no podemos desconocer los favorables cambios que ha sufrido y que en la última edición reivindicaron su calidad.
Demás está decir que me hago responsable de esta crítica que apuesta por un crecimiento del Salón pero también por una comprensión de la complejidad de los fenómenos artísticos en un mundo que precisa la complementariedad en lugar de una competitividad ciega que los artistas no podemos permitirnos.
Diego González Ojeda
Tal como lo anunciamos, durante esta semana se han presentado los resultados de diversos proyectos de estudiantes de la Escuela de Arte y Diseño de la UTPL.
Iniciamos con la presentación de la instalación de Carolina Molina, “…y el cuento flotante”, trabajada a partir de un cadáver exquisito de su propia inventiva. El evento tuvo lugar en el Centro Cultural “Alfredo Mora Reyes” y comprendió una serie de tiras de papel que colgaban de los pasamanos como marco a una serie de ilustraciones digitales impresas que ilustran las frases de la surrealista pieza literaria.
Érase una vez
Una chica con alas invisibles
Un día cualquiera se fue al parque
Dentro de una burbuja de shampoo
Y comió naranjas negras
Que sabían a vino tinto
Y le dejaron los dientes rojos
Como vampiro
Un rabino le gritó “odio a los nazis!”
Entonces la amapola que había debajo del árbol más viejo, creció hasta medir 15 metros
Con su fuerte aroma todos se quedaron profundamente dormidos
Un chorro de sangre salió de la nada e inundó el lugar manchando a todos de colores psicodélicos
El humo se evaporaba formando algodones de azúcar que los niños comían hasta vomitar flores de colores
Con las piernas mutiladas, en el fango brilloso se arrodilló humillada y la vida le dio una gran bofetada
Las 7 llaves del océano estaban escondidas en una calabaza de oro
Después fue a un teatro lleno de almas vacías
Las mujeres tenían miel en los ojos para corregir su tristeza
Los hombres bebían tragos de luz para alegrarse la vida
La luna era su canica favorita hasta que Pie Grande la pisó….
Carolina sobre su cuento flotante
El proyecto de María José Sotomayor consistió en combinar dos dimensiones de su creatividad: la música y la plástica. Compuso su ópera prima musical, una pieza a la que tituló “Majo”, ejecutada por un grupo de sus colegas y nos mostró una serie de dibujos ejecutados previamente, siguiendo los impulsos sonoros. El resultado puede verse en el vídeo sobre estas líneas. La presentación tuvo lugar en un salón del Conservatorio “Anton Bruckner”.
El arte en todos sus campos ya sea música, dibujo, pintura, fotografía es un medio de expresión del cual nos valemos para exteriorizar nuestros sentimientos [...] Es lo que me sucedió al componer mi primera pieza musical: al realizarla, mi alma me dictaba lo que entonaba, en especial en la parte lenta ya que en ese momento es donde más puse mis sentimientos reflejándome yo en ella; la continuación de la melodía muestra evidentemente los estados de ánimo por los que atravesé durante el lapso de la creación. Es por ello que mi propuesta comprendió la fusión de la música con el expresionismo abstracto; este ejercicio de representación de la música en un cuadro causó muchos estados de confusión, de bloqueo, de tristeza y alegría, pero todo este proceso de creación valió la pena tanto en lo musical como en las artes plásticas ya que me ha llenado realizar esto no para quedarme ahí sino para seguir caminando a través de estos dos campos que realmente me interesan.
Ma. J. S.
Presentación de Gabriela Luna
En la misma sala, Gabriela Luna presentó una serie de dinámicas acuarelas trabajadas en base a su admiración por el paisaje marino, el color y la mancha. Para su realización, Gabriela viajó a una de nuestras playas ecuatorianas y capturó algunas instantáneas que sirvieron de referencia. Lo demás lo hizo su voluntad de explorar un tipo de pintura que pretende ir más allá de la mímesis, sin abandonar su referente de origen.
Según como iba realizando cada trabajo, notaba en cada uno de ellos la espontaneidad que fui desarrollando, ya que cada lámina era diferente. Influía mucho mi estado de ánimo, porque esto era lo que determinaba tanto el color como la mancha. Era increíble ver como en un día en el que realizaba dos obras en diferente momento, lo que me sucedía en el lapso entre una obra y otra influía en el resultado.
G.L.
Gabriela Luna junto a una de sus acuarelas
Cristina Luna montó en su casa una instalación titulada “Leviatán” utilizando el nombre del mítico monstruo como metáfora del ser humano que se devora a sus congéneres…homo homini lupus. El trabajo gira en torno de una escultura elaborada con palomitas de maíz.
“El hombre es un lobo para otro hombre”. Está frase enteramente política, me lleva a pensar en el estado actual de nuestro país, al que nos están llevando los conflictos por el poder de los grupos políticos, y lo frágil que somos nosotros y nuestra sociedad. Por lo tanto dicha problemática la expreso a través de la escultura, utilizando como material el canguil reventado [...] considero que cada grano de canguil representará la fragilidad de cada ciudadano.
C.L.
Cristina Luna junto a su Leviatán
Diego Carrión nos invitó a colocarnos gafas azul y rojo dentro de un ambiente oscurecido en donde dispuso su serie “Sentimientos y expresiones en 3D”. Utilizando como pretexto las obras de misericordia de la religión católica, la fotografía y un software como recurso técnico, nos produjo la ilusión de estar ante figuras tridimensionales que iban expresando las ideas que se mostraban bajo una serie de leyendas como la que vemos bajo estas líneas.
Con mi experiencia como estudiante de Comunicación Social he aprendido que los diferentes movimientos que las personas realizamos cuando queremos expresar algo, pueden decir mucho de nosotros e influir fuertemente sobre los demás. Es por ésta razón que las imágenes que voy a utilizar serán de expresiones que las personas mostramos en la vida diaria como la ira, el amor, la compasión, etc. Incluiré fotografías de animales, plantas y seres inertes a través de los cuales se puedan expresar diferentes estados de ánimo.
D.C.
Diego Carrión y una de sus imágenes 3D "...dar de beber al sediento"
Una instalación protagonizada por dibujos a lápiz, música y juegos de luz, fue el producto de Byron Viteri. Los dibujos de figuras humanas se inspiraron en las dinámicas formas de las orquídeas que él mismo cultiva. La luz estuvo dispuesta desde lo bajo de una estructura de metal y papel de fibra natural.
…la representación gráfica de las orquídeas, como seres “pertenecientes a este mundo, pero fuera de este mundo”, no solo por un mero gusto personal, sino por expresar su belleza, su misterio, en escenarios que solo la imaginación podría visualizarlas; asi como mi mente las ha soñado y como se siente mi cuerpo al verlas.
B.V.
Byron Viteri junto a su instalación
Ángel Castro debuta con una sorprendente serie fotográfica de desnudo. Acercamientos y efectos luminosos son los recursos de los que se vale para hacernos sentir cercanos a la piel de la modelo, deteniéndonos con él a sentir su textura y hasta su aroma.
[...] el cuerpo femenino lleno de sensualidad nos permite contemplar la perfección de la naturaleza, por esto siempre he anhelado dar mi punto de vista con respecto al desnudo, plasmándolo de una manera distinta y particular donde las luces se conjuguen con la piel y la luz para transmitir mensajes al espectador.
A.C.
Ángel Castro brindando al lado de sus fotografías
Por cortesía de su autor, mostramos a continuación dos miniaturas de sus piezas.
Ayer, jueves 14 de enero de 2010, el Colectivo Eje Central, proveniente de México y que incluye artistas de Ecuador y Korea, presentaron su trabajo “Nómada”, definido como un ejercicio de arte urbano que se articula de acuerdo a dos centros de interés: el asentamiento de los productos chinos y el ir y devenir cotidiano, con escenarios en México y Ecuador, respectivamente.
La presentación se hizo en el Edificio Octógono de la Universidad Técnica Particular de Loja a las 16h00 y convocó a más de doscientas personas entre artistas, profesores y estudiantes de artes de la UTPL y de la Universidad Nacional de Loja.
La experiencia resultó muy enriquecedora para quienes disfrutamos de las propuestas de estos artistas, sobre todo porque ha planteado retos a los jóvenes colegas que comparten el interés por las intervenciones del arte en los espacios públicos, acciones a las cuales el público lojano no se halla acostumbrado, pero que con un trabajo persistente pueden ir siendo aceptadas.
Para mayor información sobre la propuesta y sus autores, invitamos a revisar este enlace:
http://www.proyectonomada2009.blogspot.com/
El colectivo ha estado ya en Cuenca y próximamente se desplazará a Quito y Guayaquil.
Buen viento para Eje Central!!
Estamos a punto de culminar el presente semestre en la Escuela de Arte y Diseño de la UTPL. Los proyectos que se han propuesto nuestros estudiantes están en la fragua y pronto podremos disfrutar de ellos.
El martes 26 de enero de 2010 a las 18h30, Carolina Molina hará la presentación de su instalación e ilustraciones inspiradas en un cadáver exquisito de su propia autoría titulado “…y el cuento flotante”.
Para la tarde del día miércoles 27 de enero de 2010 está prevista una serie de exposiciones. Los estudiantes de Dibujo Artístico V presentarán en distintos lugares de la ciudad sus propuestas que comprenden variadas temáticas y técnicas: abstracción del paisaje a través del uso expresivo de la acuarela, fotografía de desnudo femenino, experimentación de una fusión entre la música y el dibujo, aplicación de la tridimensionalidad en la fotografía, dibujo y fantasía inspirado en las orquídeas y planteamientos de arte efímero.
Con estos eventos se abre un ciclo de exposiciones de los jóvenes colegas que cursan el último año de estudios en nuestra Escuela. Durante la misma semana presentarán sus trabajos otros colegas: Daniel Noriega con “21: intuición y reminiscencias”en la Puerta de la Ciudad, el día jueves 28 a las 15h00; y, Darwin Pizarro en el Café-Galería “Cuna de artistas”, el viernes 29 a las 18h00 nos deleitará con sus fotografías en “Ocho series”. El mismo viernes a las 18h30 expone Byron Lavanda “Algunos gritos” en la Galería del Consejo Provincial. El lunes 1 de febrero a las 18h00 Valeria Valarezo en la Casa de la Cultura. Las exposiciones se extenderán hasta el mes de abril del presente año en distintos escenarios de Loja.
Desde ya invitamos a los curiosos y demás interesados en la esfera de lo extraordinario para que se unan a compartir con nosotros el fruto de estos últimos meses de búsquedas y encuentros.
En los últimos meses se ha materializado la idea de llevar exposiciones itinerantes por la provincia de Loja, actividad a cargo de la Dirección Provincial de Cultura y encabezada por Roberto González, colega y amigo de la plástica. Esta labor se ha complementado con la muestra viajera de cine nacional a cargo de Rubén Torres.
Por mi parte, pude participar en la muestra que se hizo en la plaza central de Cariamanga. Fuimos invitados dos profesores de la UTPL junto a algunos estudiantes nuestros. Se unieron también varios pintores y dibujantes locales que me dio gusto descubrir, compañeros con mucho talento y que se enfrentan a los clásicos problemas propios de la profesión, colegas que tienen mucho que dar.
Fue valiosa la oportunidad de relacionarnos con la gente de allá y compartir algunos momentos con el público que se acercó a mirar nuestros trabajos. El clima permitió que hayamos podido pintar y dibujar al aire libre, cosa de la que suelo ser disfrutar muchísimo. Me divertí jugando con la imagen del parque y los cuadros expuestos, los árboles y el edificio de la iglesia en el fondo. Hubiera querido pintar las caras de todos esos niños y jóvenes que se detuvieron con curiosidad detrás de mis hombros, algunos extrañados al inicio cuando sólo había un par de garabatos y otros animados mientras se iba dando forma a un rincón de su pueblo, tan común y corriente como cualquiera, pero que al ponerlo en un cuadro cobra algo de importancia. Creo que a veces la pintura tiene valor no solo por sí misma, no porque es el trabajo de alguien que maneja cierta técnica, sino porque nos abre alguna que otra ventana de la realidad cotidiana y nos la deja ver de una manera que no esperábamos.
"Una mirada al parque de Cariamanga". Pastel. 65 x 50 cm.
Luego he puesto de víctima a Angie, una de nuestras compañeras de viaje para que sea el blanco de mis trazos y de las miradas de los visitantes. Hacer un retrato en frente del público siempre es un reto porque uno no sabe lo que va a pasar. A diferencia del paisaje en donde la gente suele ser más indulgente y nos perdona alguna imprecisión con la perspectiva, con un rostro no hay muchas vueltas que darse. Claro que siempre nos queda la frase de Picasso como pretexto para nuestras inutilidades…”algún día se parecerá al retrato”, pero no es algo que uno puede darse el lujo de hacer con frecuencia, menos cuando la expectativa que creas está apegada a la mímesis. Para hacer más corto el cuento creo que el retrato quedó al 90%, lo que quiere decir que hay que volverlo a hacer.
Para cerrar la jornada me la pasé muy bien con unas escolares que comenzaron a pedirnos autógrafos y a contarnos de sus habilidades para la danza, la pintura y demás y que siempre te preguntan cosas de tu vida privada de las que luego se matan de la risa. Son divertidas las típicas preguntas “¿por qué no me dibuja a mí?” o “¿por qué no pintó ese pajarito que se posó por un minuto?”
Mi compañero Diego Espinosa, en una demostración de su pintura.
Para terminar, quiero agradecer la oportunidad que la gente del Ministerio de Cultura está brindando tanto a las zonas apartadas de los grandes centros urbanos como a nosotros los artistas de poder acercarnos y aprender mutuamente. Fue genial haberme podido encontrar con mi hermano Mauricio y pasar una velada al amparo de una buena cerveza y de la alegría que viajar con el arte a hombros suele provocar.
En Loja, el Jueves 16 de Julio, 19h00: en las afueras del Teatro Bolívar estamos esperando más de 20 personas por varios minutos a que nos abran la puerta. Una vez adentro, seguimos sintiendo las consecuencias de una pésima administración de uno de los centros culturales más importantes que tiene esta ciudad…en coro comenzamos a pedir que se asome el encargado de apagar las luces…por fin aparece. Ahora sí podemos disfrutar del espectáculo que nos ha tenido preparado Sandra Urueña y su grupo del taller de clown. Desde el primer momento hicieron todo para que nos olvidemos del mundo y nos concentremos en cada ocurrencia, desde los papeles que salieron disparados de sus manos hasta los juegos con la enorme pelota que salió volando hacia el público, pasando por sencillas pero bien trabajadas escenas. Me reí como no tienen idea con muchas de ellas. Los clown nos mostraron su trabajo individual, en parejas y en grupo, sacando pa´fuera ese niño interior con el que sin duda nos identificamos los pocos asistentes (o sea, es una pena que muchos se hayan perdido de este disfrute).
Personalmente me la pasé muy bien con las escenas en pareja, en particular de aquella en la uno de los clown se dedicó a tomarle fotos a través del celular a la joven que tenía a su lado: buena manera de utilizar un recurso que se ha vuelto parte de la vida cotidiana. Se me quedó también el expresivo rostro de aquel que imitaba a su compañero. O los intentos de cantante de la chica de melena azul.
Comparto estas imágenes que conseguí capturar. Le mando un abrazo enorme a Sandra y a los nuevos CLOWN, CLOWN, CLOWN!!!
Los clowns en grupo, al inicio de la presentación
Una feliz conglomeración de cuerpos y narices
A continuación compartimos la introducción al simposio “Arte rupestre en Ecuador y zonas vecinas” que aparecerá en la próxima publicación del libro de ponencias del III Congreso Ecuatoriano de Arqueología y Antropología, llevado a cabo en octubre de 2008.
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Simposio: “Arte rupestre en Ecuador y zonas vecinas”
A inicios del año 2008 recibimos la cordial invitación de un amigo y colega, el arqueólogo Francisco Valdez, miembro del equipo organizador del III Congreso Ecuatoriano de Antropología y Arqueología, para presentar dentro de este evento una propuesta de simposio sobre arte rupestre. A través de la Internet y del contacto telefónico iniciamos la búsqueda de distintas personas que podrían presentar sus trabajos, los cuales fueron sumando un número significativo como para hacer posible nuestra participación en el congreso.
Tras su aprobación por parte del comité organizador, se publicó a través del portal Web “Arqueología Ecuatoriana” la convocatoria a través de la segunda circular cuyo texto citamos a continuación:
El estudio del fenómeno conocido con el nombre de arte rupestre (grabados y pinturas sobre rocas, entre otros) ha sido muy poco estudiado dentro de las investigaciones arqueológicas del país; de ello se derivan las escasas publicaciones realizadas sobre el tema lo que contrasta con un importante número de vestigios, principalmente de grabados que han sido reportados esporádicamente.
Al igual que la mayor parte del patrimonio cultural de la nación, el registro y documentación del arte rupestre todavía está por hacerse. Para ello es necesario, entre otras cosas acortar las distancias entre las disciplinas y los mismos investigadores, a fin de preservar estos testimonios del pasado y aprovecharlos como recurso en la época presente, que reclama una permanente construcción de sentido.
En el contexto latinoamericano varios esfuerzos están consolidando redes de trabajo que facilitan la colaboración directa o indirecta entre los investigadores de ámbitos ya sea nacionales o internacionales. A la luz de permanentes reuniones, varios mitos sobre el arte rupestre han caído, pero quedan muchos que derribar, desde las esferas mismas de profesionales de la arqueología hasta la comunidad en general, que en buenas cuentas es a la que nos debemos y que será la encargada de decidir en medida de su apropiación frente al patrimonio, qué va o no a conservar.
A la convocatoria se fueron sumando trabajos provenientes tanto de profesionales de la arqueología como de colegas de otros ámbitos del conocimiento, quienes habían mantenido alguna relación con la investigación del arte rupestre dentro y fuera del país.
Hacia finales de septiembre de 2008 se habían inscrito diez ponencias, de las cuales en el evento mismo se llegaron a presentar siete. La presente publicación compila los artículos de quienes por primera vez han aunado sus esfuerzos para mostrar un panorama nacional de las investigaciones del arte rupestre ecuatoriano. Por otro lado la contribución de investigaciones provenientes del norte del Perú permiten articular nuestros estudios con los del vecino país (en donde ya se han llevado a cabo tres simposios nacionales) y con la región andina en general.
El primer Simposio de arte rupestre en Ecuador y zonas vecinas, dentro del marco del III Congreso… tuvo lugar los días 7 y 8 de octubre de 2008, en horas de la tarde, en las instalaciones del Centro de Convenciones Simón Bolívar de la ciudad de Guayaquil y contó con un promedio diario de 20 personas dentro del público asistente.
La sesión se abrió con la participación de Harald Jonitz, biólogo alemán radicado en el país y que partiendo de su actual interés laboral como guía turístico se ha dedicado a registrar desde hace varios años la dispersión de las rocas grabadas en el país. Jonitz ha aprovechado la tecnología de los sistemas de información geográfica para cubrir un mapa del Ecuador que hasta el momento contaba con amplios vacíos.
Este trabajo incluye también una compilación acompañada de comentarios críticos sobre varios estudios que se han hecho en el tema a partir del siglo XIX. Jonitz compara algunos registros iniciales con el estado actual de los petroglifos, lo cual nos permite tener una idea de los cambios que han sufrido los vestigios. En ciertas rocas también se ha puesto en evidencia que los escritos de aquellos investigadores contenían algunos errores de percepción, derivados de interpretar como de procedencia cultural, determinados efectos o juegos de la naturaleza.
El trabajo que presenta Jean Guffroy (quien no estuvo presente, pero envió su ponencia para ser leída) arqueólogo francés perteneciente al IRD (Institut de Recherche pour le Développement), quien ha estudiado de cerca los petroglifos del norte peruano nos participa una visión que se aproxima a integrar la información recogida hasta el momento en Ecuador dentro del contexto andino. En base al estado actual de los conocimientos, este científico centra su atención en las rocas grabadas y esboza una clasificación temporal de los vestigios, agrupándolos en dos tradiciones: una post-Formativa y otra tardía, ambas a la espera de mayores estudios que las permitan validar y complementar.
Por primera vez salen a la luz los petroglifos de Pastaza, a través de la investigación que comparten Carlos Duche y Geoffroy de Saulieu. A pesar de haber inscrito su ponencia, estos investigadores no pudieron asistir al evento; sin embargo enviaron su artículo para la presente publicación. El trabajo incluye una correlación con la oralidad que de alguna manera pervive en los actuales habitantes de la región y sobre la cual los autores aproximan algunas interpretaciones. De acuerdo a estos investigadores, dos períodos diferentes podrían definirse, aunque reconocen la dificultad de establecer atribuciones exactas debido a la falta de conocimiento que se tiene de las culturas aborígenes de Pastaza.
Se presentaron dos investigaciones provenientes de la Universidad Técnica Particular de Loja, informando a la comunidad arqueológica ecuatoriana sobre la labor del llamado Proyecto Petroglifos, que esta institución viene impulsando desde el año 2000. Uno de los trabajos es el aporte del geólogo José Guartán, quien ha realizado un estudio de la naturaleza física de las rocas grabadas así como de su contexto geológico, a través del cual contamos con una descripción petrográfica y una caracterización de la litología de los vestigios. La información generada resulta un valioso aporte para el conocimiento de los soportes rocosos, sobre todo si se piensa en las necesarias acciones de conservación que requieren este tipo de bienes patrimoniales, amenazados por la meteorización y el vandalismo.
El otro trabajo, de nuestra autoría, es una explicación de la metodología empleada en el registro del arte rupestre en la provincia de Loja. El texto incluye una estadística del estado actual de la investigación, basada en las jornadas de campo y en los trabajos de laboratorio realizados entre los años 2004 y 2006. La ponencia hace énfasis en dos sitios que fueron considerados de especial interés: Barrial Blanco y Quillusara, el primero por ser uno de los sitios menos tocados a la par que poseedor de una iconografía característica de la zona y el segundo por la presencia de piedras paradas, muchas de ellas con complejos grabados, hecho que marca una singularidad en el arte rupestre del Ecuador.
Se contó con la participación de César Toapanta, encargado del inventario del área arqueológica, por el Instituto Nacional de Patrimonio Cultural, quien presenta un trabajo descriptivo alrededor de los petroglifos de la zona de Portovelo, en la provincia de El Oro.
Lenin Ortiz participó con una muestra de varias fotografías que fueron expuestas al público asistente al Congreso, así como con una presentación dentro del simposio, ambas en torno a la puesta en valor de los Petroglifos de Catazho, provincia de Morona Santiago. El texto de su ponencia no consta dentro de esta compilación pero queremos dejar constancia de la información que nos fue proporcionada antes del evento, dada la importancia de los yacimientos. Esta información también fue difundida dentro del Congreso por medio de CDs. El trabajo cuenta con el respaldo del Gobierno Provincial de Morona Santiago y de la Fundación PROCULTUR, a quien la prefectura solicita un estudio de los petroglifos registrados en una reciente monografía, previa la obtención del título de bachiller en el Colegio Indanza. El equipo de trabajo de este plantel educativo estuvo conformado por los estudiantes: Byron Brito, Pedro Castro, Gladis Delgado, Ana Llinguin, Mónica Marín, Carmen Orellana, Teresa Peñaranda, Grima Peláez y Rosa Zhicay, bajo la dirección de los profesores Enrique Herrera, Darío Brito e Irma Guzmán. Con su labor se habrían conseguido registrar más de 500 petroglifos a través de 133 fichas, dentro de la comuna San José del cantón Indanza. Las aspiraciones del trabajo presentado por Ortiz comprenden la generación de acciones tendientes a la conservación tanto de las rocas grabadas como de los recursos naturales.
Cierra este simposio la ponencia del arqueólogo Julio César Fernández, quien comparte parte de su investigación, llevada a cabo en la región de Lambayeque, en el norte peruano. Fernández es Investigador del Departamento de Humanidades, en la Facultad de Humanidades, de la Universidad Católica Santo Toribio de Mogrovejo, (Chiclayo, Perú). Su trabajo está centrado en varios petroglifos encontrados en las cuencas del Chancay, Saña, Motupe y Chiñiama. El texto ofrece una clara descripción de las rocas grabadas, así como un ensayo interpretativo, cronológico y de filiación cultural, basado en información proveniente de la tradición andina, así como en crónicas y estudios previos.
Lamentamos no presentar el trabajo del colega Ulises Gamonal coordinador del Museo de Jaén (Perú) que debió incluirse en esta compilación. Esperamos que una próxima edición del simposio permita contar con su aporte. Gamonal (quien por motivos personales no pudo asistir al evento) tenía previsto presentar su ponencia sobre el vínculo entre las rocas con tacitas y el culto al agua.
Desde la coordinación de este simposio, dejamos constancia de nuestro sincero agradecimiento a los organizadores del III Congreso, y de manera especial a todos y cada uno de los investigadores que han contribuido con sus artículos al estudio del arte rupestre en nuestro país. Esperamos que la presente publicación sea la primera de muchas aportaciones que, trabajando en colaboración, podemos conseguir a favor del conocimiento de este aspecto de nuestro pasado.
Diego González Ojeda
Coordinador del Simposio
Les invito a leer la presentación que hiciera para la exposición del escultor lojano Bayardo Cuenca, inaugurada el día 12 de noviembre de 2008.
A Bayardo
Confieso que me resulta un reto hablar en público de las obras de mis amigos, porque se da el hecho de que no podemos evitar las expresiones de afecto sobre todo cuando se trata de alguien como Bayardo, quien junto a varios otros soñadores compartimos la dicha de haber sido tinkeros. Los comprendemos porque los conocemos más y eso, que podría ser una ventaja al momento de escribir también suele nublar algunos nudos o situaciones problemáticas que toda obra que se quiera llamar artística trae consigo.
Ya que he comenzado poniendo en evidencia los riesgos de mis comentarios, voy a comenzar con la única objeción que tengo: Bayardo, no te alarmes, lo que ocurre es que me hubiera gustado tener esta sala llena de tus esculturas. Y no te está hablando mi obsesión por la cantidad, sino por las curvas y las honduras de las mujeres que modelas, en cuyos cálidos regazos más de una vez he tenido ganas de sucumbir.
Llevado de sus pequeñas manos, estas esculturas me plantean muchas propuestas que van más allá de las fantasías de un Pigmalión del siglo XXI. Con ellas mi espíritu se aventura en recorridos históricos. Recuérdese que nuestra percepción es condicionada entre otras cosas por las previas experiencias y aprendizajes, por nuestros oscuros espacios y deseos, y desde luego, por la complejidad de la misma naturaleza. En el proceso de seducción, yo les he planteado todas esas condiciones a las mujeres de Bayardo y ellas contra todo pronóstico, me han aceptado… me han dicho que sí.
Les he dicho que me hacen pensar en las nativas que poblaron nuestras costas. Los pulimentos de sus superficies tienen mucho que ver con las piezas de alfarería de las culturas ancestrales y los tonos sin disimular de la terracota tienen sabor a tierra y a calor ecuatorial. Esta calidez se exacerba por sus cabellos rojos que nos traen de vuelta al presente, a la transgresión, a la rebeldía de la juventud, según el mismo autor. Alguna de ellas ostenta un enorme peinado que la hace ver como si los sueños no le cupieran en la cabeza, pensando en pajaritos preñados, dice Bayardo acordándose de Kees.
Y de regreso al pasado…una de las esculturas es la virgen-montaña, que reúne varias de las fascinaciones de Bayardo: la Pacha Mama, el barroco y Klimt. En este tipo de piezas Bayardo encuentra la oportunidad de desplegar su virtuosismo y horror vacui. La virgen-montaña ha tenido varias antecesoras que han provocado diversas reacciones de reverencia de algunos espectadores dentro y fuera de los espacios de exposición. Bayardo me ha contado cómo algunos hasta se han persignado ante ellas creyendo que se trata de alguna nueva advocación mariana. El artista juega con los símbolos, se apropia con toda autoridad de ellos, porque se apropia de su cultura y los transforma, los recrea con su visión personal e inventa realidades nuevas que una vez salidas del taller se tienen que enfrentar con el complejo mundo de relaciones. En el pequeño cuadro vinculado al tema encontramos una versión de carácter pictórico muy bien lograda.
Otra apropiación, quizá soltándome un poco la mano de las pieles y pelirrojas, es aquella que el artista ha hecho a partir de una artesanía española basada en Las Meninas. Sobre una interesante tela basada en la obra de Velásquez que se presentó hace unos meses en un certamen de pintura, algunos puristas del arte lanzaron al cielo el grito de plagio. Espero que no ocurra esto ahora. Lo digo sobre todo porque acostumbrados a nuestras miopes aparcelamientos, normalmente nunca lo discutimos con el autor. Bayardo se separa con este trabajo de su acostumbrada obra, no sin tender puentes: la figura se integra a la serie que nos muestra por el volumen, pero su lenguaje es otro. Durante la conversación previa que tuvimos antes de esta exposición ya me contó de qué se trataba, pero no se los voy a decir, para que tengan la oportunidad de preguntárselo ustedes mismos o para pensar frente al bien logrado collage, acerca de su significado.
Siguiendo con las rupturas de mi amigo, sus mujeres ahora me dejan solo, encerradas en sus vitrinas, bailando delante de mi como en ciertos nocturnos espectáculos, para ponerme delante de una pintura de escaso volumen, plana. Es como si una de mis admiradas nativas haya pasado al otro lado de un espejo, en donde además me tiene preparado un lugar en su sofá. El Bayardo barroco se ha diluido para acercarse más un Matisse atenuado, acuarelado. Me sorprendiste porque no conocía esta faceta que modestamente invitaría a desarrollar, quizá en la misma onda, sin afán de volumen que en buenas cuentas un cuadro no lo tiene más que en la ilusión.
Un grupo aparte de las propuestas anteriores lo constituyen estos relicarios sacados de la cultura popular en donde pese a su escaso tamaño, encontramos una serie de símbolos con los que Bayardo se divierte.
El autor ha querido incluir en la muestra dos artesanías de los viejos tiempos que fueron objeto de un premio mundial en artesanías, en un festival llevado a cabo en la ciudad alemana de München, capital de Bavaria, una zona rica en tradición cerámica. Mi querido Bayardo, permíteme interpretar esto como una evidencia de que el arte y la artesanía pisan territorios comunes. Dirijo esta última frase a los que todavía piensan que el arte y la artesanía son algo así como el cisne y el patito feo.
Retomando mi objeción inicial, se entiende lo limitado de la producción por lo difícil que es hacer escultura. Sólo pensemos cuantos escultores hay por cada diez pintores y saquemos nuestras conclusiones. Bayardo dice que incluso las obras se desquitan de él cuando en el proceso una cuchilla hiere las manos o el calor del horno le quema los dedos. Es el precio que me cobran por dejarse salir, me dice.
Termino estas divagaciones alzando los brazos como la única figura masculina frente a tantas nativas, trepando por la montaña de la virgen y sentándome al lado de la solitaria chica de tu cuadro. Termino y te abrazo invitándote a seguir, parafraseando lo que tú mismo decías, trabajando sin más coherencia que la de tu propia búsqueda.
disago fecit
Loja, noviembre de 2008
